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EN
For Johan de Wit’s second solo show at Rossicontemporary, the artist presents a unique selection of recent works in the main room and the cabinet room of the gallery. The Ghent artist chose various forms of his signature paper and resin works. From rectangular or pillow forms to more identifiable objects like chairs or cabinets, to those with historical connotations, Johan de Wit constructs three-dimensional still-lives.
His works are trompe-l’oeil of everyday objects, they carry a reflection on the impermanence of things and beings. De Wit reflects restless emptiness, transience and the brevity, or ephemerality within life: is the abundance of bottles in a cupboard a metaphor? Does a gravestone suggest the never-ending cycle of life? Does a crushed antique column evoke the manipulations of history? Memories and melancholy exude from these bodies. De Wit states “I explore the idea that we are here by accident”.
An homage to ancient masters’ paintings, to Giorgio Morandi’s still-lives or to Shaker furniture, Johan de Wit uses specific inspirations as nonintentional starting point to his work. The references are discreet, and yet they are ubiquitous.
Form and color are also key to his practice, as his monochromatic works seem to have released objects from their eccentricities back to basics: the archetypal shape. A love for raw aesthetics, and yet a unique stylization is applied. This manifests itself in a search for materiality, textures and color. Back to abstract, his work is bare and has been stripped of its decorativeness.
Finally, Johan de Wit’s work is inscribed in its singular medium: they are all made of paper, reinforced with resin and enriched with iron powder and pigments. A true maker, for whom the studio practice is central.
FR
Pour sa deuxième exposition individuelle chez Rossicontemporary, Johan de Wit présente une sélection d'œuvres récentes dans la salle principale de la galerie et dans le cabinet attenant. L'artiste gantois a choisi différentes typologies parmi ses œuvres en papier et résine. Qu'il s'agisse de “toiles” rectangulaires ou de coussins, d'objets plus identifiables comme des chaises ou des armoires, ou encore d'objets à connotation historique, Johan de Wit construit des natures mortes tridimensionnelles.
Trompe-l'œil d'objets quotidiens, ses œuvres comportent une réflexion sur l'impermanence des choses et des êtres. De Wit réfléchit au vide, à la fugacité, à la brièveté ou à l'éphémère de la vie : l'abondance de bouteilles dans une armoire est-elle une métaphore ? Une stèle suggère -t-elle le cycle de la vie qui ne s'arrête jamais ? Une antique colonne écrasée évoque-t-elle l'histoire manipulée ? Les souvenirs et la mélancolie exsudent de ces formes. De Wit dit: “J'explore l'idée que nous sommes ici par accident”.
Hommage à la peinture ancienne, aux natures mortes de Giorgio Morandi, au mobilier Shaker, Johan de Wit utilise librement ces inspirations particulières. Les références sont discrètes et pourtant omniprésentes.
La forme et la couleur sont également des éléments clés de son travail, car ses œuvres monochromes semblent avoir libéré les objets de leur singularité pour les ramener à l'essentiel, à la forme brute, archétypale, où il est question de matérialité et de texture au-delà de tout caractère décoratif.
Enfin, les œuvres de Johan de Wit s'inscrivent dans une technique unique : elles sont toutes réalisées en papier, renforcées de résine et enrichies de poudre de fer et de pigments. Un véritable créateur, pour qui la pratique dans l'atelier est centrale.
EN
Stillness,
not the absence of movement,
but the remembrance of it.
Where infinity finds us and keeps on going.
Excerpt from: Lieve Shukrani Simoens, Choreography of Stillness
In her new solo show Choreography of Stillness at Rossicontemporary, Lore Stessel occupies the first room and the window displays of the gallery with a selection of her latest work. A blend of her signature photographic series, the largescale landscapes with images of dancers, cohabit in the spaces. These series have in common movement and body, central themes of Lore Stessel’s practice.
Movement is at the heart of her work. The artist condenses moments shared with dancers and their relationship with the environment. The key to this search lies in motion itself, in the small gestures, in the small changes contained in each movement. Her images are the results of these encounters, but also an almost abstract visualization of motion frozen into time. A choreography shot and immortalized in stillness.
Her landscapes, whether immense mountains or rapid rivers, also lure us into a sensation of motion. From the heaviness of the rock to the gushing of water, they dance in their own way. They are souvenirs of the places where Lore photographed dancers, another form of materialization of moment and experience.
This movement is created also by Lore Stessel’s technique: by painting on canvas in the dark with a light sensitive emulsion, photography emerges with the wave of her brush. The image looks as if it has been swept onto the canvas, from left to right, it appears with the lashes of the artist’s stroke. This singular process allows for texture. It offers a material presence to the medium of photography.
"Dance is a language", she says. A language without words. But by using this language with her own images, she turns it into a new account. (...) A story devoid of embellishments, with its own density. A possibility of reaching the essential. What cannot be captured in words, she translates into images that become legible.
FR
L'immobilité,
pas l'absence de mouvement,
mais le souvenir de celui-ci.
Là où l'infini nous trouve et continue d'avancer.
Extrait de: Lieve Shukrani Simoens, Choreography of Stillness
Dans Choreography of Stillness, sa nouvelle exposition individuelle chez Rossicontemporary, Lore Stessel occupe la première salle et les vitrines de la galerie avec une sélection de ses travaux récents. Un ensemble d’images tirées de ses séries photographiques emblématiques - paysages à grande échelle et danseurs – se déploie dans les espaces. Ces séries ont en commun le mouvement et le corps, thèmes centraux de la pratique de Lore Stessel.
L'artiste condense des moments partagés avec des danseurs et leur relation à l'environnement. La clé de cette recherche réside dans les petits gestes, dans les menus changements contenus dans chaque mouvement. Ses images sont le résultat de ces rencontres, mais aussi une représentation presque abstraite du mouvement figé dans le temps. Une chorégraphie immortalisée dans l'immobilité.
Les paysages, qu'il s'agisse de montagnes et des mers, nous entraînent également dans une sensation de mouvement. De la lourdeur de la roche au jaillissement de l'eau, ils dansent à leur manière. Ce sont les souvenirs de lieux où Lore a photographié les danseurs.
Le mouvement est également induit par la technique de Lore Stessel : en peignant sur la toile dans le noir au moyen d’une émulsion photosensible, elle fait apparaître la photographie avec la vague de son pinceau. L'image semble avoir été balayée sur la toile, de gauche à droite. Ce processus singulier, qui permet d'obtenir une texture, offre une présence matérielle à la photographie.
“La danse est un langage”, dit-elle. Un langage sans mots. Mais en utilisant ce langage avec ses propres images, elle en fait un nouveau récit. (...) Une histoire sans fioritures, avec sa propre densité. Une possibilité d'atteindre l'essentiel. Ce qui ne peut être saisi par les mots, elle le traduit en images qui deviennent lisibles.
EN
Never was a shade
Of any plant
Dearer and more lovely
Or more gentle
Excerpt from Georg Friedrich Händel, Largo of Love (Serse)
Shadow is not the enemy of light, but its
companion. It is in the shadows that we
seek shelter, that we find stillness, that
life stops for a moment.
Peter Zumthor
For his fourth exhibition at Rossicontemporary, P.B. Van Rossem presents “Ombra”, a solo show of more than thirty new paintings in the last room of the gallery. “Ombra”, or shadow, is an important part of the artist’s search for three-dimensionality in painting. He writes: “Shadow as part of color and its intensity, its saturation. As part of the contour of forms. Shadow and its poetic significance. Shadow as a positive, yet hidden and mysterious concept.”
Indeed, his paintings are full of layers and depth, inviting shadows as an additional stylistic element to the formal aesthetic of his work. P.B. Van Rossem paints on found supports and materials: on discarded wood or canvas, on a scrap of cardboard, on formica panels or even on eggshells. The artist is not afraid of rough textures – the past lives of his supports add elements of time, experience and intricacy into his practice.
On top of these bases, the artist paints with meticulous precision abstract patterns where shading, lines and color create compositions of all forms. At first glance, the shapes seem perfect, but as you get closer, you can see the asymmetries of the paint, its thick layers, the wavering lines. The paint is not just placed on a support, but rather seems to intimately embrace its host and its rugged textures. The works reveal their material density and the signature features of P.B. Van Rossem.
On the walls of the gallery, the artist builds a patchwork. There are games of tight lines, pointillism and all kinds of quadrilaterals, hypnotic circles and puzzle-like structures. The paintings absorb us into their geometries. This new series is even finer in abstraction, more colorful than the last, its outlines particularly irregular, its supports singular. As a kaleidoscope, the series entices us into a rich collection of pristine yet unyielding artworks.
FR
Jamais l’ombre d’aucun arbre
Ne fut plus douce, plus précieuse,
Plus agréable!
Ombra mai fu, Georg Friedrich Händel, Serse
«L'ombre n'est pas l'ennemie de la lumière, mais sa
compagne. C'est dans l'ombre que nous cherchons un abri,
que nous trouvons le calme, que la vie s'arrête un instant».
Peter Zumthor
Pour sa quatrième exposition chez Rossicontemporary, P.B. Van Rossem présente Ombra, une exposition individuelle de plus de trente nouvelles peintures dans la dernière salle de la galerie.
“Ombra”, ou l'ombre, est un élément important de la recherche de tridimensionnalité dans la peinture, chère à l'artiste. Il écrit : “L’ombre fait partie de la couleur et de son intensité, de sa saturation. L'ombre en tant que partie du contour des formes. L'ombre et sa signification poétique. L'ombre en tant que concept positif, mais caché et mystérieux”.
En effet, ses peintures sont formées de multiples couches qui leur donnent de la profondeur, invitant les ombres comme un élément stylistique supplémentaire à l'esthétique formelle de son travail. P.B. Van Rossem peint sur des matériaux trouvés : sur du bois ou de la toile mis au rebut, sur un morceau de carton, sur des panneaux de formica ou même sur des coquilles d'œuf. L'artiste ne craint pas les textures rugueuses - les vies passées de ses supports ajoutent des éléments de temps, d'expérience et de complexité à sa pratique.
Sur ces bases, l'artiste peint avec une précision méticuleuse des motifs abstraits où ombres, lignes et couleurs créent des compositions de toutes formes. À première vue, les formes semblent parfaites, mais en s'approchant, on en perçoit les asymétries. La peinture n'est pas simplement posée sur un support, elle semble épouser intimement son hôte et ses textures. Les œuvres révèlent leur densité matérielle qui est véritablement la signature de l’artiste.
Aux murs de la galerie, Van Rossem construit un patchwork. Il y a des jeux de lignes serrées, du pointillisme et toutes sortes de quadrilatères, de cercles hypnotiques et de structures en forme de puzzle. Cette nouvelle série est très poussée dans l'abstraction, colorée comme un kaléidoscope.